Luca Giacomoni

« Tutto iniziò in un giorno di violenza. » Omero

Omero ci ha lasciato in eredità i due gesti fondanti dell’immaginario occidentale: una guerra e un viaggio. In un certo senso, è proprio quello che facciamo nel corso di una vita: lottare per proteggere ciò che ci è caro e superare mille ostacoli per poter dire un giorno “questa è la mia vera patria”. L’opportunità di dare forma scenica a questo doppio movimento si è presentata quando – nel 2015, in seguito agli attentati di Charlie Hebdo – la responsabile culturale del carcere di Meaux mi ha chiesto di tenere un laboratorio teatrale sulle radici della violenza.

In un programma di prevenzione dell’Islam radicale, ho incontrato uomini che incarnavano – ai miei occhi – gli eroi e i re del mito greco. La lotta per la dignità e l’attesa del ritorno hanno assunto improvvisamente una dimensione del tutto nuova. Due anni di lavoro con un gruppo di attori professionisti e non-professionisti, detenuti e ex-detenuti, hanno dato vita a Iliade: un’avventura teatrale e umana che, da allora, ha creato un precedente nel sistema penitenziario francese.

Studio su Iliade di Omero

Regia / Luca Giacomoni
Traduzione / Paul Mazon, Françoise Brun
Con / Armelle Abibou, Mourad Ait Ouhmad, Samir Ben Malek, Hugues Dangreaux, Laurent Evuort Orlandi, Cristoforo Firmin, Cyril Guei, Jean-Baptiste Guinchard, Séphora Haymann, Peter Hudson, Brontis Jodorowsky, Sid Ali Hanifi, Lévy Kasse Sampah, Moussa Konate, Eliott Lerner, Ali Marsaoui, Louis Plesse, Bryan Polach, Michel Quidu, Jamal Yatim, Kamel Zada
Canto / Sara Hamidi
Drammaturgia / Marta Fallani
Assistente alla regia / Giuseppina Comito
Disegno luci / Sean Seago

Produzione Trama & Why Theatre / Con il sostegno della DRAC Île-de-France / Con il sostegno del Ministero della Cultura, del Ministero della Giustizia, di Arcadi Île-de-France, della SPEDIDAM / Residenze a Mains d’Œuvres, Les Plateaux Sauvages / Coproduzione Centre pénitentiaire de Meaux Chauconin-Neufmontiers, SPIP Seine-et-Marne, DISP de Paris, Théâtre Paris-Villette, Fondazione Humanités, Digital et Numérique, e Fondazione Meyer per lo sviluppo culturale e artistico.

Durata: 10 ore / 10 episodi di un’ora

En 2018, une amie m’a invité à proposer un atelier de théâtre à la Maison des Femmes de Saint-Denis, centre d’accueil pour femmes en situation de vulnérabilité ou victimes de violence. Afin de me familiariser au lieu, j’ai assisté à des groupes de parole : le premier portait sur l’excision. Sujet délicat, délicat et violent, si violent que l’on préfère l’imaginer loin de nous. Ce jour-là, j’écoutai des femmes de chair et d’os évoquer cette mutilation, vécue par elles-mêmes et tant d’autres qu’elles avaient connues.

Dans le groupe, on évoqua des serpents mis au monde sous les traits d’enfants ; des femmes transformées en chèvres, punies pour leur désobéissance. Dans le cercle, tout le monde acquiesçait. Il ne s’agissait pas de contes, d’allégories – il s’agissait de la réalité. Ces femmes avaient pour la plupart évolué dans un monde où la magie existe. Où la mutation est un devenir rationnel, nécessaire, parfois. Cette séance a rappelé à ma mémoire Ovide et ses Métamorphoses : l’invisible en embuscade, la transformation comme horizon possible. En filigrane, l’asservissement du féminin.

Mise en scène / Luca Giacomoni
D’après Les Métamorphoses d’Ovide
Traduction et dramaturgie / Sarah Di Bella
Avec / Diariatou Basse, Léna Dangreaux, Laëtitia Eïdo, Clémence Josseau, Hadassah Njengue, Sylvie Togba
Chant / Eugenie De Mey, Claire Trouilloud
Assistanat à la mise en scène / Giuseppina Comito
Collaboration artistique / Nadine Naous
Lumières / Bartolo Filippone

Production Why Theatre / En partenariat avec la Maison des Femmes de Saint-Denis / Avec le soutien de la Ville de Paris, de la Fondation Meyer pour le développement culturel et artistique, de la Fondation Humanités, Digital et Numérique, de la Fondation L’Accompagnatrice, de la Fondation Les Ailes et de la Fondation Berger-Levrault, de l’Adami et de la Spedidam / Avec le soutien du dispositif d’insertion de l’École du Théâtre National de Bretagne / Résidences de création au Studio Théâtre (Stains), à Gare au Théâtre (Vitry) et au Théâtre de la Tempête (Paris)

Durée : 1h

Quand je commence une nouvelle création, je cherche avant tout le bon terreau : où vivent aujourd’hui Woyzeck, Antigone, ou les frères Karamazov ? Qui peut comprendre – non pas de manière intellectuelle, mais par l’expérience directe – la trajectoire d’Agamemnon, ou celle d’Ophélie ? Pour Hamlet, je suis allé à la rencontre des personnes ayant eu des expériences dites « psychotiques » : entente de voix, hallucinations, troubles de la perception, perte de mémoire. L’invisible étant l’axe central de la pièce, il fallait réunir une équipe sensible à ce sujet.

Ce type de travail demande une longue période d’immersion, qui s’apparente presque à de l’ethnographie. Mais le but n’est pas d’ordre sociologique : j’ai voulu créer plutôt des lignes de tension entre les sources médiévales du théâtre baroque et les mémoires – individuelles et collectives – des personnes habitant le plateau. Shakespeare le dit clairement : le théâtre est là pour tendre un miroir à la nature humaine, porter un regard lucide sur nous-mêmes, y faire face. En ce sens, le théâtre est certainement un lieu de vérité. Un des derniers peut-être ?

Mise en scène / Luca Giacomoni
D’après Hamlet de William Shakespeare
Traduction / Jean-Michel Déprats
Dramaturgie / Sarah Di Bella
Avec / Olivier Constant, Laure Darras, Valérie Dréville, Élodie Franques, Tarik Kariouh, Serge Nail, Vicente Olivier, Édouard Penaud, Fabrice Pesle, Louis Plesse et Quentin Vernede
Piano et chant / Nathalie Morazin
Assistanat à la mise en scène / Paola Pelagalli, Leïla Blier et Violaine Bougy
Collaboration artistique / Agnès Adam et Giuseppina Comito
Danse des couteaux / Davide Monaco
Costumes / Cécile Laborda
Objets / Jacopo Leone
Lumières / Bartolo Filippone

Production Why Theatre / En partenariat avec le GHU Paris Psychiatrie et Neurosciences / Coproduction et coréalisation Le Monfort Théâtre (Paris), Festival d’Automne à Paris / Avec le soutien de la Région Île-de-France, la Ville de Paris, la DRAC Île-de-France, la Fondation Meyer pour le développement culturel et artistique, la Fondation de France, la Fondation Humanités, Digital et Numérique, la Fondation L’Accompagnatrice / Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National (Paris) / Résidences de création au Nouveau Gare au Théâtre (Vitry-sur-Seine), au Monfort Théâtre (Paris), au Préau, Centre dramatique national de Normandie-Vire, à La Villette (Paris), au Carreau du Temple (Paris), au T2G – Théâtre de Gennevilliers, Centre dramatique national, à la Ménagerie de Verre (Paris)

Durée : 2h15

L’idée de mettre en scène Woyzeck vient d’une longue résidence aux Ateliers Médicis, lieu de création situé en banlieue parisienne. Ce travail est le développement naturel de mes recherches sur l’action organique, déjà entamées lors de la création d’Hamlet. Dans cette perspective, la boxe est vite entrée dans mon champ de vision : point de convergence entre impulsion et stratégie, le Noble Art est devenu l’outil privilégié pour donner vie à un théâtre qui ne laisse pas de place au “faire semblant”.

Aussi, les figures qui apparaissent dans le texte de Büchner – la honte, le sacrifice, la bête de foire ou encore le bouc émissaire – font écho à certaines questions qui résonnent quotidiennement dans nos sociétés : le contrôle des corps, le féminicide, ou le conflit permanent entre individu et collectif. Œuvre énigmatique et fragmentaire par excellence, Woyzeck est donc une nouvelle occasion pour interroger la nécessité et le sens de l’acte théâtral aujourd’hui.

Inspiré d’une vieille chronique allemande du 16e siècle, Michel Kohlhaas est le récit vertigineux d’un marchand de chevaux qui se heurte à l’arrogance du pouvoir. Offensé par la machine de l’Etat, il refuse d’accepter la moindre injustice et commet des exactions pour réaffirmer la validité de ses droits. Plutôt qu’un éloge de la vengeance, c’est l’histoire d’une révolte nécessaire.

Le Liban d’aujourd’hui me semble être l’endroit idéal pour mettre en scène l’œuvre de Kleist et raconter avec justesse l’intervalle existant entre le respect du droit et la violence guerrière. Dans un pays morcelé entre factions politiques opposées, Kohlhaas arrive à mobiliser une population entière, qui se soulève pour une renaissance sacrificielle.

Au travers de cette œuvre, je poursuis une recherche déjà entamée dans mes créations précédentes : faire se rencontrer sur le plateau artistes professionnels et non professionnels, porter le théâtre dans un territoire sous tension, et interroger le rôle de l’art dans la construction de nos démocraties.

D’après Michel Kohlhaas de Heinrich von Kleist / traduction Georges La Flize / mise en scène Luca Giacomoni / dramaturgie Sarah Di Bella / assistanat à la mise en scène Paola Pelagalli / distribution en cours.

La plus célèbre provocation du XXe siècle – Gott ist tot, Dieu est mort – est devenue un constat sans appel : l’être humain a perdu son horizon. Notre ciel est désert, et Dostoïevski a su décrire comme personne ce processus d’assèchement intérieur. La difficulté, voire l’impossibilité de croire au “bien” est le cancer diagnostiqué à tous les niveaux de l’extraordinaire architecture des Frères Karamazov. Un diagnostic qui résonne tristement avec les maux de notre époque.

L’urgence climatique, l’effondrement des écosystèmes, l’épuisement progressif des ressources énergétiques – ainsi que l’éclatement d’une épidémie capable de paralyser nos sociétés : tout témoigne d’un manque d’axe, d’un égarement. Ne serait-il pas temps de retrouver cette autre intelligence – plus fine, propre à la plante, au mollusque et à l’animal – qui sous-tend le vivant dans toutes ses formes ? Dans cette quête, le rite laïc que nous avons appelé « théâtre » a encore un rôle à jouer ?

Mise en scène / Luca Giacomoni
D’après Les Frères Karamazov de Fédor Dostoïevski
Traduction / André Markowicz
Dramaturgie / Sarah Di Bella
Avec / Distribution en cours
Assistanat à la mise en scène / Violaine Bougy
Costumes / Cécile Laborda
Lumières / Bartolo Filippone

Production Why Theatre / en cours