Luca Giacomoni

« Tutto iniziò in un giorno di violenza. » Omero

Omero ci ha lasciato in eredità i due gesti fondanti dell’immaginario occidentale: una guerra e un viaggio. In un certo senso, è proprio quello che facciamo nel corso di una vita: lottare per proteggere ciò che ci è caro e superare mille ostacoli per poter dire un giorno “questa è la mia vera patria”. L’opportunità di dare forma scenica a questo doppio movimento si è presentata quando – nel 2015, in seguito agli attentati di Charlie Hebdo – la responsabile culturale del carcere di Meaux mi ha chiesto di tenere un laboratorio teatrale sulle radici della violenza.

In un programma di prevenzione dell’Islam radicale, ho incontrato uomini che incarnavano – ai miei occhi – gli eroi e i re del mito greco. La lotta per la dignità e l’attesa del ritorno hanno assunto improvvisamente una dimensione del tutto nuova. Due anni di lavoro con un gruppo di attori professionisti e non-professionisti, detenuti e ex-detenuti, hanno dato vita a Iliade: un’avventura teatrale e umana che, da allora, ha creato un precedente nel sistema penitenziario francese.

ILIADE
Tratto da Iliade di Omero e Omero, Iliade di Alessandro Baricco
Regia Luca Giacomoni
Traduzione Paul Mazon, Françoise Brun
Con Armelle Abibou, Mourad Ait Ouhmad, Samir Ben Malek, Hugues Dangreaux, Laurent Evuort Orlandi, Cristoforo Firmin, Cyril Guei, Jean-Baptiste Guinchard, Séphora Haymann, Peter Hudson, Brontis Jodorowsky, Sid Ali Hanifi, Lévy Kasse Sampah, Moussa Konate, Eliott Lerner, Ali Marsaoui, Louis Plesse, Bryan Polach, Michel Quidu, Jamal Yatim, Kamel Zada
Canto Sara Hamidi
Drammaturgia Marta Fallani
Assistente alla regia Giuseppina Comito
Disegno luci Sean Seago

Produzione Why Theatre / Con il sostegno della DRAC Île-de-France / Con il sostegno del Ministero della Cultura, del Ministero della Giustizia, di Arcadi Île-de-France, della SPEDIDAM / Residenze a Mains d’Œuvres, Les Plateaux Sauvages / Coproduzione Centre pénitentiaire de Meaux Chauconin-Neufmontiers, SPIP Seine-et-Marne, DISP de Paris, Théâtre Paris-Villette, Fondazione Humanités, Digital et Numérique, e Fondazione Meyer per lo sviluppo culturale e artistico.

Durata: 10 ore / 10 episodi di un’ora

Nel 2018, un’amica regista mi ha invitato a proporre un laboratorio teatrale presso la Casa delle Donne di Saint-Denis, un centro di accoglienza per donne in situazioni di vulnerabilità o vittime di violenza. Per familiarizzarmi con il luogo, ho partecipato a gruppi di discussione: il primo riguardava l’escissione. Un tema delicato, delicato e violento, così violento che preferiamo immaginarlo lontano da noi. Quel giorno, ho ascoltato alcune donne parlare di questa mutilazione, che loro stesse avevano subito, così come molte altre che avevano conosciuto in passato.

Nel gruppo si evocavano serpenti nati nel corpo di bambini ; donne trasformate in capre, punite per la loro disobbedienza. Le partecipanti ascoltavano, e annuivano. Non si trattava di racconti, di allegorie – si trattava della loro realtà. Quelle persone erano cresciute in un mondo in cui esiste la magia. Dove la mutazione è un processo razionale, a volte necessario. Questa primo incontro mi ha ricordato Ovidio e le sue Metamorfosi: l’invisibile in agguato, la trasformazione come unico orizzonte possibile. E in filigrana, il controllo e il dominio del corpo delle donne.

METAMORFOSI
Tratto da Le Metamorfosi di Ovidio
Regia Luca Giacomoni
Traduzione e drammaturgia Sarah Di Bella
Con Diariatou Basse, Léna Dangreaux, Laëtitia Eïdo, Clémence Josseau, Hadassah Njengue, Sylvie Togba
Ricerca e scelte delle musiche Eugenie De Mey
Canto Eugenie De Mey e Claire Trouilloud (in alternanza)
Assistente alla regia Giuseppina Comito
Costumi e oggetti di scena Luca Giacomoni
Luci Bartolo Filippone

Produzione Why Theatre / In collaborazione con la Maison des Femmes de Saint-Denis / Con il sostegno della Città di Parigi, della Fondazione Meyer per lo Sviluppo Culturale e Artistico, della Fondazione Humanités, Digitale et Numérique, della Fondazione L’Accompagnatrice, della Fondazione Les Ailes e della Fondazione Berger-Levrault, Adami e Spedidam / Con il sostegno del programma di integrazione dell’École du Théâtre National de Bretagne / Residenze di creazione presso Studio Théâtre (Stains), Gare au Théâtre (Vitry) e Théâtre de la Tempête (Parigi)

Durée : 1h

Quando inizio una nuova creazione, cerco innanzitutto il terreno giusto: dove vivono oggi il soldato Woyzeck o i fratelli Karamazov? Chi può capire – non intellettualmente, ma attraverso l’esperienza diretta – la traiettoria di Agamennone o quella di Ofelia? Per creare Amleto, ho incontrato persone con un vissuto che la psichiatria considera “psicotico”: sentire voci, disturbi della percezione, perdita di memoria, allucinazioni. L’invisibile è l’asse portante della pièce, e mi è sembrato giusto riunire un gruppo di persone sensibili a questo tema.

L’opera di Shakespeare ci dice qualcosa di molto preciso sel senso dell’atto teatrale. Come la terapia dello specchio nel trattamento dell’arto fantasma, l’illusione scenica risveglia la memoria – una forza potente, che agisce sul presente – e fa emergere la verità. Così, in perfetto stile barocco, ho preferito mostrare l’intera finzione teatrale: le luci, le mura del teatro, i cambi di costume, il training e gli inevitabili errori – oltre a me stesso, regista dello spettacolo, nel dirigere gli attori davanti agli occhi dello spettatore. L’artificio è esposto, in modo destabilizzante, nell’esattezza della sua realtà.

AMLETO
Di William Shakespeare
Regia Luca Giacomoni
Traduzione Jean-Michel Déprats
Drammaturgia Sarah Di Bella
Con Olivier Constant, Laure Darras, Valérie Dréville, Élodie Franques, Tarik Kariouh, Serge Nail, Vicente Olivier, Édouard Penaud, Fabrice Pesle, Louis Plesse e Quentin Vernede
Piano e canto Nathalie Morazin
Assistenti alla regia Paola Pelagalli, Leïla Blier e Violaine Bougy
Collaborazione artistica Agnès Adam e Giuseppina Comito
Danza dei coltelli Davide Monaco
Costumi Cécile Laborda
Oggetti di scena Jacopo Leone
Disegno luci Bartolo Filippone

Produzione Why Theatre / In collaborazione con il GHU Paris Psychiatrie et Neurosciences/ Coproduzione Monfort Théâtre (Parigi), Festival d’Automne à Paris / Con il sostegno della Regione Île-de-France, della Città di Parigi, della DRAC Île-de-France, della Fondazione Meyer per lo sviluppo culturale e artistico, della Fondation de France, della Fondation Humanités, Digital et Numérique, e della Fondation L’Accompagnatrice / Con la partecipazione del Jeune Théâtre National (Parigi) / Residenze de creazione al Nouveau Gare au Théâtre (Vitry-sur-Seine), al Monfort Théâtre (Parigi), al Préau, Centre dramatique national de Normandie-Vire, a La Villette (Parigi), al Carreau du Temple (Parigi), al T2G – Théâtre de Gennevilliers, Centre dramatique national, e alla Ménagerie de Verre (Parigi)

Durata : 2h15

Ispirato a una serie di femminicidi riportati dalle gazzette dell’epoca, Woyzeck è una storia di violenza che risuona tristemente con le cronache del nostro tempo. Un’indagine sulla natura del male. Grazie alla collaborazione con persone non vedenti e ipovedenti, l’abbiamo trasformata in una ballata sonora in ventidue frammenti. Il nostro Woyzeck è uno spettacolo che può essere visto ad occhi chiusi. Ogni spettatore può scegliere se guardare lo spettacolo prendere vita dietro le palpebre chiuse, oppure aprire gli occhi e assistere allo strano rituale che si svolge dietro le quinte.

Lo scricchiolio delle suole di un soldato, il sussurro di una voce nel vento o le prime gocce di pioggia di un temporale: sono solo alcuni degli elementi che fanno da sfondo a questa lunga orazione funebre con l’aria di un canto di lavoro. È nella musica afroamericana che abbiamo trovato la solitudine e la stigmatizzazione delle persone ai margini della società; è lavorando con gli ascoltatori di voci che abbiamo potuto dare corpo all’invisibile; ed è nelle palestre di pugilato che abbiamo cercato quella complicità maschile che è sia il fondamento che la cornice del dramma.

WOYZECK
Tratto da Woyzeck di Georg Büchner
Regia di Luca Giacomoni
Traduzione di Jean-Louis Besson e Jean Jourdheuil
Con Fé Avouglan, Ulysse Bosshard, Luc Brasseur, Nicolas Cambon, Giancarlo Corredor, Flavia Lorenzi, Wabinlé Nabié, Louis Plesse, Mathilde Ponsford
Ricerca canti Fé Avouglan
Tromba Nicolas Cambon
Assistenti alla regia Marie-Eve Dorléans e Kristina Strelkova
Introduzione al teatro di figura Nancy Rusek
Allenamento boxe Luc Brasseur e Fred Voubrel
Costumi e oggetti di scena Luca Giacomoni
Disegno luci Bartolo Filippone

Si ringraziano Murielle Hénon e Vincent Demassiet di REV France per il prezioso approfondimento del fenomeno del “sentire le voci”; Jule Japhet per la guida e i consigli sugli effetti sonori; Robine Anders per la approfondita analisi del tema del femminicidio.

Produzione Why Theatre / Coproduzione Ateliers Médicis (Clichy-sous-Bois e Montfermeil) e Nouveau Gare au Théâtre (Vitry-sur-Seine) / Con il sostegno della Città di Parigi e del Ministero della Cultura e nell’ambito delle Olimpiadi culturali 2024, della Fondation d’entreprise La Poste, della Fondation Jan Michalski, della Fondation SNCF, Fondation Humanités, Digital et Numérique e Fondation Meyer pour le développement culturel et artistique / Residenze di creazione presso Ateliers Médicis (Clichy-sous-Bois), Nouveau Gare au Théâtre (Vitry-sur-Seine) e Studio Philippe Genty (Parigi).

Durata: 1h30

Ophelia nasce da un desiderio che mi accompagna da anni: restituire voce a un personaggio troppo spesso trascurato. Ofelia attraversa l’Amleto come un’ombra: oggettivata, silenziata, lasciata sola nella sua follia. In questa performance, torna a farsi presenza viva – vulnerabile e ostinata – in un linguaggio che non è più quello della parola, ma del corpo, del gesto, del sogno. Una proposta della curatrice Laura Lamonea e l’incontro con la danzatrice Giulia Quacqueri hanno dato forma a questa visione.

Ispirandoci all’universo onirico e perturbante di Francesca Woodman, abbiamo costruito un paesaggio in rovina, dove memoria e desiderio si intrecciano. In scena, non c’è una storia da seguire, ma una presenza da ascoltare. Una figura che si muove tra la fine e l’inizio, tra oblio e rinascita. Ophelia non vuole spiegare né denunciare: è un invito ad abitare una soglia. A lasciarsi attraversare da ciò che resta ai margini. A immaginare, forse, un altro modo di stare al mondo.

OPHELIA
Testi di William Shakespeare
Traduzione di Paolo Bertinetti
Una performance di Luca Giacomoni
A cura di Laura Lamonea
Con Giulia Quacqueri
Musiche da “Carme” di Daniela Pes
Drammaturgia Piera Mungiguerra
Creazione della marionetta Ivan Terpigorev e Aimée Mattio

Produzione Video Sound Art per VIDAS
In coproduzione con il
Centro di ricerca filosofica e teatrale Hagia Sophia
Durata: 20 min
Foto © Luca Del Pia